Historias fotografiadas. LA NIÑA AFGANA

Para hablar de la protagonista primero debemos hablar del fotógrafo que la hizo ser conocida internacionalmente, Steve McCurry, americano, nacido Philadelphia.El contexto se remonta en 1984 cuando Steve cruzó la frontera pakistaní y entró en territorio afgano controlado por los rebeldes, justo antes de la invasión soviética. La chica fue encontrada en el campo de refugiados de Nasir Bagh, en la frontera con Pakistán

"Sabía que tenía una apariencia increíble, una mirada penetrante", recuerda. Con unos impresionantes ojos verdes que escondían la historia de una niña de 12 años miembro de una tribu nómada, y contaban la crudeza y la tristeza de una invasión devastadora para su país que además la dejó huérfana.

En una entrevista con The Telegraph, el fotógrafo señaló que la composición de la imagen tuvo mucho que ver con su éxito. “Por un instante todo estuvo bien, la luz, el fondo, la expresión en sus ojos…”, sostuvo nostálgico cuando recordó el momento en el que capturó la mirada de la joven.

Cuando salió, tenía rollos de película cosidos a su ropa con imágenes que darían la vuelta al mundo como las primeras que mostraron el conflicto.

"Cuando revelé la foto, supe que era especial. Se la mostré al editor de National Geographic, quien se puso de pie de un salto y gritó: '¡Esa es nuestra siguiente portada!'".

"La gente se ofrecía como voluntaria para trabajar en los campamentos de refugiados gracias a esa fotografía", dice. "Los afganos están increíblemente orgullosos de ella, ya que la niña es pobre, pero muestra un gran orgullo, fortaleza y respeto a sí misma".

Os daré unos datos curiosos:

1.Estuvo a punto de no ser portada: aunque el editor tenía claro cual quería como portada, el director de la revista había elegido otra fotografía de la misma niña tapándose la cara, no fue hasta el último momento cuando terminó decidiéndose por la otra.

2. McCurry reveló el último rollo de Kodachrome 64, la mítica película surgida en la década de 1930

3 En 2002 National Geographic financió una nueva expedición. ¿Objetivo? Un reencuentro de McCurry con la niña, diecisiete años después. 

Si os habeis quedado con ganas que continuar viendolo visitad esta página:
http://www.dailymotion.com/video/x22uq85_en-busca-de-la-muchacha-afgana-natgeo-2002_tv

Fotógrafo de guerra

El término Fotógrafo de guerra no es muy aceptado entre estos fotógrafos que se exponen ante conflictos bélicos. Argumentan esto por la confusión que trae esa denominación, cuando su interés no es únicamente cubrir el problema, sino plasmar el impacto que esto tiene en la sociedad, esto nos muestra que más bien es una fotografía dedicada a la denuncia.


Trabajando al estilo freelance intentando captar un preciso instante cuando las condiciones de su alrededor no son las mejores para luego intentar vender esas imagenes a una agencia sin la garantía de que lo consigan, es decir, costeando sus viajes y estancias, arriesgando sus vidas sin la garantía de que un tercero adquiera sus instantáneas.

Un destacado fotógrafo andaluz Samuel Aranda, ganó el Premio Word Press Photo 2011.

Ismael Sanogo:

Javier Manzano 

William Vandiver

Louie Favorite

Valdez Castillo 

Este videoclip nos enamoró al verlo puesto que da muchos mensajes y mucho de lo que pensar sobre esta clase de fotógrafos:

http://www.jotdown.es/2013/01/fotoperiodismo-de-guerra/

Historias fotografiadas :ALMUERZO EN EL CIELO DE NUEVA YORK

Almuerzo sobre un rascacielos, la mítica fotografía de obreros en un rascacielos de Nueva York ha cumplido 80 años y en todas estas décadas persisten dos misterios: no se sabe quién fue su autor ni la identidad de ninguno de los 11 protagonistas.

Fue tomada el 20 de septiembre de 1932, colgando a unos 256 metros de altura durante la construcción de la sede de la RCA, después rebautizada como GE Building y que forma parte del Rockefeller Center. Esta imagen de los obreros en la pausa para el almuerzo, suspendidos sobre una grúa en Manhattan es una de las imagenes mas reconocidas del siglo XX.

Varias agencias de noticias habían mandado a fotógrafos a cubrir la construcción del RCA Building y se desconoce quién tomó la fotografía Almuerzo sobre un rascacielos. Durante años fue atribuída a Charles Ebbets, pero tras descubrir que no fue el único fotógrafo allí la agencia Corbis sostiene que no se puede conocer quién tomó justo esa foto.

La agencia trató de encontrar a las protagonistas de la fotografía hace unos años y, según ha declarado a The Independent Johnston, se contrató investigadores privados, pero no llegaron a identificar a ninguno de ellos.

Se convirtió en una imagen tan icónica que incluso Johnston asegura que es "la más reconocible" de las más de 20 millones en el archivo de Corbis.

La fotografía social.

Surge a finales del siglo XIX cuando la fotografía sufre una evolución que la lleva a tener usos nuevos.

El paso del metal al papel, cámaras más manejables y portátiles y el uso del flash  hacen que los fotógrafos salgan a la calle. 

Es una rama de la Fotografía Documental y es aquella que se constituye en una evidencia respecto a la realidad. Se refiere a la documentación de las condiciones y del medio en el que se desenvuelve el hombre, tanto en forma individual como social. El objetivo es generar consciencia social, que no es otra cosa que solidaridad. Puede tener un carácter de denuncia, con la intención de producir un cambio o una transformación. Además puede tener también como finalidad, el conocimiento en si mismo y la comprensión de la humanidad.

La temática social más retratada es la laboral, inmortalizando a los obreros, sus condiciones de trabajo, las condiciones sanitarias, etc. Desarrollan también una retórica de la objetividad que en fotografía se traduce en cortes accidentales, desenfoques, decorados y vestidos no preparados, etc.

John Thompson fue uno de los máximos exponentes de la fotografía social. En 1877 publicó un álbum titulado "La vida de las calles de Londres".

Efectos paranormales

Desde la aparición de la fotografía las investigaciones sobre efectos paranormales ha sufrido un auge.
Esta ha permitido recaudar mucha información sobre fenomenos y entes desconocidos. Incluso se cree que se han puede ver claramente espíritus de antiguos seres vivientes que nos rodeaban.

Por otro lado desde la aparicion de editores todos estos registros tomados  cobran cierta incertidumbre, teniendo en cuenta que cualquier fotografía puede haber sido tratada como por cualquier editor.

Los temas paranormales más tratados suelen ser sobre ovnis o espiritus humanos.

En la gran mayoria de peliculas de terror y thriller la cámara toma un papel fundamental desvelando los seres malignos que desean con ansias poseer al humano.

Un ejemplo puede ser en la película Expediente Warren donde se utiliza la cámara junto a un termómetro que actúa como una autodisparador cuando la temperatura baja.

Historia- Polaroid por Edwin Herbet Land

Es quizás la más icónicas de todas las cámaras instantáneas, se dice que Andy Warhol apreciaba tanto la estética de estas fotografías que llegó a realizar más de 60.000 fotografías en su vida.

Pequeña muestra de las fotografías de Andy Warhol.

La primera de todas polaroid fabricada se conoce como Polaroid One Step o Polaroid 1000 Rainbow es retro, instantánea y analógica.

Historia.

En 1928, el joven Edwin H. Land desarrollara el primer filtro polarizador sintético. En 1935 adoptó la denominación Polaroid y en 1937 comenzó su comercialización. Se cree que Edwin fabricó las polaroids principalmente para su hija.

En 1947 asombraría al mundo presentando la primera cámara que revelaba y positivaba en solo en tan solo 60 segundos. Se convirtió en un buque de insignia hasta la invención de la fotografía digital.

En febrero de 2008 Polaroid anuncia el fin de la fabricación de película para sus cámaras, que dejó de fabricar en 2007. Su estética se convirtió en algo cool que nos resistíamos a perder en pro de la era digital por lo que se pone de moda el efecto fotográfico Polaroid de Photoshop, aparece la aplicación de iPhone llamada ShakeIt que “revela” las imágenes virtuales con más rapidez al agitar el dispositivo y “The Polaroid Party” una fiesta en Brooklyn en la que los asistentes podían colgar sus fotos junto a las imágenes ya montadas de artistas locales.

Sin embargo una nueva idea surgió para 2010, The Impossible Proyect, nombre que lo acogieron un grupo de trabajadores de la empresa Viena Florian Kaps, creadora de las Polaroid, para montar una nueva empresa dedicada a fabricar carretes de polaroids nuevamente y otras polaroids o accesorios, además de ofrecer servicios de repararlas.

Las polaroid cobran mucho protagonismo en peliculas, canciones, libros,... pero una que recomiendo que veais es Memento de Christopher Nolan, donde gracias a estas fotografías el protagonista puede avanzar con su objetivo.

https://www.the-impossible-project.com/
http://www.salesdeplata.com/polaroid-un-hito-de-la-fotografia/
http://www.fotonostra.com/biografias/polaroid.htm
http://www.blogartesvisuales.net/diseno-grafico/fotografia/polaroid-o-the-impossible-project/#sthash.StqZMWzb.dpuf

La fotografía en color

El color puede ayudar a contar historias (visualmente) y puede ser utilizado para comunicarse a un nivel emocional superior que con la fotografía en blanco y negro, esta parte es muy importante, es más, se podría decir que el color es el principal factor al hacer que una foto se sienta emocionante, alegre, melancólica, misteriosa o tal vez o un poco sombría.

En el color la luz juega un papel ya que esta es una forma de energía radiante que nos permite percibir las formas, el volumen y el color de los objetos.

Experimentos iniciales en color no pudieron fijar muy bien la fotografía ni prevenir que el color se desvaneciera. Además, hasta los años 1870 las emulsiones disponibles no eran sensibles a la luz roja o verde.

La primera fotografía con color permanente fue tomada en 1861 por el físico escocés James Clerk Maxwell. Presentó su método aditivo de fotografía en color en Londres, con la intención de demostrar que cualquier color podía obtenerse mezclando luces de los tres colores primarios (rojo, verde y azul) en diferentes proporciones. Probó la teoría haciendo pasar la luz a través de filtros coloreados combinados y proyectando el resultado en una pantalla el nombre de tricomía.

Los inventores del cinematógrafo en 1895, los hermanos Lumière, desarrollaron en 1904 la placa de cristal autocromo en el que se distribuyen millones de granos de fécula de patata, en cada color de uno de los tres colores: rojo, verde o azul, asociados en una superficie sensible. Obtienen así muestras positivas transparentes dando una imagen mucho más iluminada y natural con un soporte de papel opaco.

Mientras que en tan sólo unos meses Louis Lumière pudo desarrollar en la invención de la cinematografía la proyección de imágenes en movimiento en una pantalla, fue muy diferente resolver el difícil problema de la fotografía color.

Después de su invención en 1904, la comercialización del autocromo en 1907, puso a la fotografía color al alcance de todos.

Historia- El colorear

El principio...

Quinta división 1916- coloreada por
Benjamin Thomas

Esta técnica comienza a raíz de  Niépce y Daguerre, cuando todavía no era posible obtener una fotografía en color, así que optaron por colorear sus fotografías mediante técnicas artesanales, utilizando tintes y pigmentos similares a los empleados por los pintores en sus lienzos.

De hecho, el primero que lo hizo fue un pintor suizo llamado Johann Baptist Isenring.

Este proceso debía llevarse a cabo de forma completamente manual, lo que encarecía aún más las fotografías, solo permisibles para la burguesía.

No mucho más tarde, en 1861, llegó la primera fotografía en color original, no curiosamente, en aquella época muy pocos prestaron atención a su innovación. 

Hitler, 1930 (coloreada por Jared Enos)

Las fotografías  coloreadas ya eran mucho más asequibles, y, además, eran consideradas auténticas obras de arte por su realismo.

A principios del siglo XX, la popularidad de las instantáneas coloreadas fue en aumento hasta 1940. Pero poco más tarde llegaron a las tiendas las primeras películas fotográficas en color de precio accesible, y las fotografías coloreadas desaparecieron de un plumazo tanto en Estados Unidos como en Europa. 

Hasta la irrupción, mucho después, del coloreado digital, el cual ha permitido restaurar muchas fotografías antiguas, la gran mayoría de las fotografías que habéis visto han sido restauradas y coloreadas digitálmente.

Niño abandonado despues de un bombardeo en Londres.

Ana Frank

Historia- MEMENTO MORI

El memento mori era una costumbre de la época victoriana del siglo XIX, también denominada fotografía post-mortem se basaba en tomar una imagen al cadáver de un fallecido con sus atuendos personales, y que muchas veces era acompañado por sus familiares o amigos. Estas fotografías rendían tributo a sus fallecidos, aunque hoy en dia esto se considere muy desagradable y macabro en su época se consideraba muy romántica y sentimental, siendo de gran ayuda en el proceso de luto al capturar una última mirada del ser querido.

Aunque ahora la muerte resulte un estado extremo en el que todo termina dolorosamente, en el siglo XIX las muertes prematuras eran más frecuentes, por lo que la gente sabía convivir mejor con ello y muchas de estas fotografías muestran bebés y niños pequeños. 

El muerto permanecía en casa o en el velatorio, y el fotógrafo acudía para mostrarle sus respetos y tomar una última foto. Estas se guardaban como recuerdo o se enviaban a los parientes que habían podido realizar un largo viaje para estar en el funeral.

   

Los niños posando junto a su hermano pequeño muerto,  estas fotografias llegan a pareces fotos familiares exceptuando la parte tetrica.

En las imágenes generalmente se mostraba al fallecido en una posición de descanso y paz eterna, pero en otras con un toque mórbido, se les hacía representar una situación cotidiana o natural en la que hacían ver que estaban vivos.

Puede que al morir alguien, no se le hubiese hecho ninguna fotografía en toda su vida, por lo que los familiares querían tener un eterno retrato con el que recordar a la persona tal y como era.

Por ello lo de estas fotografías post-mortem con los difuntos de pie, actuando como si no estuvieran muertos, para ello utilizaban una especia de base que sujetaba al fallecido por la espalda para manterlo en pie y asi poder tomar la fotografía, llegaban a usar cables rígidos para darle la forma deseada a los brazos. 

Llegaban a pintarle la pupila sobre los parpados para darle mas aspecto de vivo.

Blanco y Negro

aizone spring / summer 2011 campaign images, 2011

Abreviado como B/N o B/W (Black and white) es el "género" en el que nació la fotografía y nunca ha pasado de moda.

Los aspectos positivos de la fotografía B/N




Evita posible distracciones que te producen los colores, los cuales pueden embellecer o lo no deseado: quitar protagonismo a la importancia de la fotografía.







Transmite una mayor carga emocional: con capacidad de captar el sentimiento con mayor sinceridad. Suele enmarcar un aire de nostalgia, un dramatismo y una fuerza que el espectador percibe muy facilmente.







Se potencia las texturas y formas: muy conocido que esta técnica nos ayuda a reflejar mejor las lineas, patrones, geometrías, estampados... Que ayuda a complementar la fotografía al escasear el color, 









Refuerza el espacio negativo: conocido por una zona de un encuadre que no posee nada relevante.




Los aspectos negativos de la fotografía B/N

Luces y sombras: es complejo pasar los colores a escalas de grises y negros.
Sentimientos: en su gran mayoría suelen ser más negativos que positivos.


Video
Estas son unas sencillas instrucciones de como aprovechar nuestro alrededor para conseguir una excelente fotografía en B/N:

COMPOSICIÓN: PROFUNDIDAD DE CAMPOS

La profundidad de campo es la distancia por delante y por detrás del punto enfocado que aparece con nitidez en una foto. Aproximadamente la distancia nítida es el doble por detrás del punto enfocado que por delante (ver figuras). Hay 3 elementos que hacen variar la profundidad de campo:

– La apertura de diafragma: A mayor apertura de diafragma menor profundidad de campo.
Como se ve en la imagen, la foto hecha a f/2.8 (mayor apertura de diafragma) tiene una profundidad de campo menor.

- La distancia focal: A mayor distancia focal (más zoom) menor profundidad de campo.

- La distancia real entre la cámara y el punto enfocado. Al hacer una foto plantéate qué partes de la escena quieres enfocar y qué partes no.

EL CURIOSO NUMERO -f-

Seguro que te has fijado alguna vez en los números y letras que aparecen en el objetivo de tu cámara, no importa cual sea, en todas suele aparecer una referencia a la máxima apertura que permite la lente: es el Numero F.

El número f es una referencia al tamaño de la apertura de la lente. 

La apertura es el tamaño del orificio que permite a la luz pasar a través del objetivo para exponer el sensor de la cámara o la película. Para reducir la cantidad de luz a la mitad, debemos disminuir el área, para ello se recurre a la geometría, donde te enseñan que para reducir a la mitad el área de un círculo, tenemos que dividir el diámetro de la circunferencia por la raíz cuadrada de 2 = 1.41421356.


Cada una de las sucesivas divisiones que hagamos nos irán dando los números F que aparacen como referencia en los objetivos de nuestras cámaras.

stop 0 = f/1.00000
stop 1 = f/1.41421
stop 2 = f/2.00000
stop 3 = f/2.82842
stop 4 = f/4.00000
stop 5 = f/5.65685
stop 6 = f/8.00000
stop 7 = f/11.31370
stop 8 = f/16.00000
stop 9 = f/22.62741
stop 10 = f/32.00000

A los numero F también se les llaman full stop, y a la máxima apertura de un objetivo, stop cero.

LEY DE LA RECIPROCIDAD

La ley de la reciprocidad dice que la exposición es igual a la intensidad de luz en el tiempo, es decir, la apertura de diafragma por la velocidad de opturación.

Pero para entenderla, antes os voy a mostrar unos ejemplos de unas escalas, que no en todas las cámaras funcionan igual, pero te sirve de guía para entender la luminosidad que se obtendrán según tu elección.

Dadas unas condiciones de toma, por ejemplo f/4 y 1/60, la exposición lograda se mantendría constante si reducimos a la mitad la apertura,  f/5,6, pero duplicamos el tiempo de exposición, 1/30 . O, al contrario, es decir, si duplicamos la apertura, pero reduciendo a la mitad del tiempo de exposición. 

F/4 y 1/60                                                 F/5,6 y 1/60

Y solo recurriremos al ISO cuando los otros dos ajustes no nos den el resultado que deseamos

¿Por qué no crecen igual la velocidad de obturación que la apertura de diafragma? El curioso numero F

ENCUADRE: TIPOS DE ÁNGULOS

Ángulo Normal:
Éste es el ángulo habitual con el que fotografiamos y se caracteriza por establecer una línea entre cámara y objeto fotografiado paralela al suelo.
Proporciona una sensación de estabilidad y tranquilidad, sin duda, es el tipo de ángulo más empleado.

Ángulo Picado:
Este ángulo se produce cuando la cámara se sitúa en un plano superior al objeto fotografiado. Precisamente esta posición superior también conlleva una situación de inferioridad, vulnerabilidad o debilidad del objeto dentro de la fotografía.

Ángulo Contrapicado:
Si el ángulo picado se consigue situando la cámara por encima del sujeto, el contrapicado lo logramos situando la cámara en una posición inferior al objeto a fotografiar, con este angulo el objeto fotografiado gana importancia, superioridad, magestuosidad y, sobre todo, de una posición dominante frente al observador.

Ángulo Cenital o Picado Extremo:

Cuando la situación de la cámara con respecto al objeto a fotografiar es de extrema superioridad, hasta el punto de situarse en la perpendicular al suelo por encima del sujeto fotografiado, con el cenital abrimos un poco más el campo y mostramos también el contexto que lo rodea.

Ángulo Nadir o Contrapicado Extremo:

Si la situación de inferioridad de la cámara frente al objeto a fotografiar la llevas al extremo, consigues el denominado ángulo nadir. Con este ángulo se incrementan al máximo las sensaciones del contrapicado, Su uso se reserva casi exclusivamente para fotografía de edificios, ya que las líneas de éstos dotan de una gran profundidad a las tomas.

Ángulo abrerrante:
Al inclinar la cámara, los ejes horizontal y vertical no coinciden con los de escena que aparece en la fotografía. Ésto como mínimo produce cierta sensación de inestabilidad y falta de equilibrio, lo que puede ser utilizado como recurso expresivo. En el cine se emplea este ángulo para aumentar la tensión, pocas son las películas de terror o suspense en las que no encontramos este tipo de angulaciones.